La siguiente es una muy breve historia del desarrollo de la Música Country. Realizar algo más completo llevaría muchísimo más espacio, de hecho, muchas enciclopedias se han escrito al respecto. La razón del siguiente material radica en el interés que muchos navegantes han expresado de poder acceder a algo que les clarifique momentos y estilos en el género que nos atrae.
Muchos nos indicarán que
faltan nombres, fechas y/o momentos. Lo sabemos, pero aclaramos que hacer algo
más completo llevaría no sólo mucho más espacio,
sino que correríamos el riesgo de aburrir a aquel que sólo busca
un somero racconto del género country.
También hemos intentado seguir una línea histórica en el
desarrollo del género y sus variantes, pero en muchas oportunidades,
esto se ha vuelto difícil, ya que muchos movimientos y subgéneros
fueron surgiendo prácticamente de manera paralela.
A.M.C.U.
Llegando a América
La radio hace su aparición
Los años 30: Country Post-Depresión
La década del 40: Bluegrass, Western Swing
y Honky Tonk
Los Dorados Cincuenta: Rockabilly y Nashville Sound
Los años 60: la década de los productores
Los años 70: el Countrypolitan y Country-pop
y los Rebeldes
Los años 80: Urban Cowboy
Redescubriendo las raíces: los Neo-Tradicionalistas
Los años 90: la explosión del New Country
New Country vs. Y'Allternative
Llegando a América
La tradición de narrar historias en canciones es algo que se remonta
a la Edad Media, cuando no existían medios para llegar masivamente al
público por la palabra escrita. Era entonces la música la que
ayudaba a esparcir las historias, muchas veces reales, muchas veces inventadas,
que eran transformadas en canciones.
En la Europa medieval, el baladista o bardo era aquel historiador oral que, en una sociedad analfabeta, se encargaba de reunir las historias de su pueblo y las narraba con un telón musical. Este bardo era amplio responsable de la memoria colectiva del pueblo y era muchas veces más respetado que el mismísimo rey. Más adelante, el "minstrel" fue el encargado de transmitir esas historias, pero convirtió el telón musical, usando populares melodías y adaptando sus historias en rima para poder usar la música que elegía.
Desde los celtas hasta la Escocia medieval, estas tradiciones musicales llegaron junto a los colonizadores europeos al nuevo continente y se instalaron en el oeste de lo que es hoy Estados Unidos.
Para 1776, más
de 250.000 personas habían llegado a Estados Unidos desde las Islas Británicas,
de los cuales más del 50% eran de ascendencia escocesa, trayendo consigo
sus historias, sus baladas y tonadas y sus instrumentos, más específicamente,
el violín. El acompañamiento
musical se realizaba con gaitas o arpas, pero no fue hasta la llegada del violín
desde Italia en el siglo XVI que la música de las Islas Británicas
se instalaría definitivamente en el nuevo mundo.
Los inmigrantes franceses establecidos en lo que hoy es Canadá, serían
desplazados por los colonizadores británicos y terminarían mudándose
a lo que es hoy el estado de Louisiana. Llevarían consigo toda su tradición
francesa, sus estilo de vida, su cocina y su música, todo lo cual, fundiéndose
con el estilo de vida local, derivaría en un subgénero country
llamado Cajun.
Con el arribo de las vías de tren y el ferrocarril, nuevas influencias como el banjo, llegaron. Luego vendría la guitarra, mucho más práctica para el acompañamiento. Con la fabricación masiva de la guitarra, al comienzo del siglo XX, este instrumento llegó a manos del hombre común con más facilidad y fue usada primero como acompañamiento, rasgueándola, pero lentamente, se fue introduciendo el punteo para adornar más las canciones.
Las arduas jornadas
de trabajo se veían reflejadas en canciones, que eran transmitidas oralmente,
durante largas horas de trabajo, muchas veces hasta improvisando letras sobre
viejas melodías conocidas. Luego del día de trabajo, reuniones
familiares junto a vecinos, originaban verdaderas "guitarreadas" que
hicieron que la música acústica -basada preferentemente en la
guitarra, el banjo, la mandolina o el violín- se fuera popularizando
cada vez más.
Los temas de estas
canciones -incluso muchas veces cantadas a capella- no distaban mucho
de los temas presentes en la Música Country: la muerte, el amor, el abandono,
el engaño, crimen y castigo. En el sur de los Estados Unidos, surgió
un tipo de canción llamada "canción evento", que tal
cual un noticiero, era una crónica de las historias del momento.
Un ejemplo es "The Wreck
of the Old '97," basada en un desastre en las vías del tren
en 1912 en el estado de Virginia.
A fines del siglo XIX, junto a compositores sureños como Stephen Foster,
sumados a la tradición del vaudevil, se dió el auge del "show
viajero", donde cuenteros brindaban una mezcla de comedia y música,
mientras ofrecían milagrosas medicinas de dudosa calidad. Por este medio
se popularizaron temas como "Buffalo
Gals," y "Turkey in the Straw." Sumemos a esto
la música religiosa, o Gospel, salida del profundo Sur de los Estados
Unidos y que ha seguido influenciando al género country hasta el día
de hoy con sus armonías vocales, sobre todo en el género Bluegrass.
También el Blues, originario primero en África y traído
a su vez a América por los esclavos, se convirtió en una fuerte
influencia y la música country comenzó a enriquecerse y crecer
cada vez más.
La
Radio Hace su Aparición
El surgimiento de la radio logró que la Música Country pudiera
llegar más masivamente. Los discos no eran muy comunes, así que
los artistas recorrían las estaciones radiales interpretando sus temas
en vivo. Uno de los más populares shows era el Grand Ole Opry, de la
estación WSM en Nashville, presentado por el legendario George D. Hay.
Entre las estrellas de esta época podemos encontrar a Vernon Dalhart,
Deford Bailey, Uncle Dave Macon o el grupo The Skillet Lickers.
Algo característico en esta época que resultó de sacar provecho de los micrófonos radiales, eran las armonías vocales. En esta época logran gran éxito los Monroe Brothers, the Delmore Brothers y los Blue Sky Boys (Bill y Earl Bolick)
Apenas los músicos comenzaron a combinar los sonidos de la guitarra, el violín y el banjo, se dió el surgimiento de las llamadas bandas de cuerdas o "string bands" creando una música llamada primero "hillbilly" y luego música montañesa (mountain music). Los músicos dejaron de repetir las viejas tonadas traídas del viejo continente, para comenzar a crear nueva música. Estas bandas llegaron a los bailes en graneros, los cuales comenzaron a ser transmitidos en vivo, alternados con los mini-conciertos que los artistas daban en las radios. Es aquí cuando hacen su aparición los sellos discográficos, buscando esa creciente popularidad del género, y surgen estrellas que comienzan a grabar sus álbumes, como Eck Roberts, Fiddlin' John Carson y el grupo The Skillet Lickers.
Por estos años también cobran resonancia los artistas que graban las llamadas Bristol Sessions para Ralph Peer. Los mayores artistas salidos de estas grabaciones fueron The Carter Family y Jimmie Rodgers.
The Carter Family
Fueron uno de los grupos más
influyentes en la Música Country, con una agrupación original
formada por Alvin Pleasant (A.P.) Carter, Delaney y Virginia. A.P. comenzó
a cantar en la iglesia con su tío y dos hermanas mayores. Luego conoció
a Sara Dougherty con quien contrajo matrimonio el 18 de junio de 1915. Ella
ejecutaba la guitarra, la colombina y el banjo. La tercer integrante del grupo,
Maybelle Addington, se unió luego de casarse con el hermano de A.P.,
Ezra Carter. También tocaba guitarra, colombina y banjo.
La familia Carter grabó por primera vez para el sello Víctor el
1º de agosto de 1927 y fueron seis canciones, incluyendo "Single
Girl, Married Girl." Luego de grabar aproximadamente 20 canciones
para este sello, el 11 de diciembre de 1934 se mudaron al sello ARC, donde grabaron
40 títulos. Sara y A.P. se divorciaron pero continuaron trabajando juntos
y luego fueron a Texas. En este período, otros miembros se unieron al
grupo: Anita, June y Helen,
hijas de Maybelle y Ezra. Luego de más grabaciones para el sello Columbia,
el grupo se separó en 1943, habiendo dejado 250 clásicos como
"Wabash Cannonball," "Lonesome Valley" y "I'm
Thinking Tonight of my Blue Eyes." Fueron grandes ídolos en
la época de la Gran Depresión.
Jimmie Rodgers
Una de las primeras superestrellas de la Música Country fue Jimmie Rodgers,
ex-maquinista de tren quien introdujo country-blues a una audiencia masiva,
y adornó su canto con el clásico yodel, o canto tirolés.
Conocido como el Padre de la Música Country, Rodgers, nacido en Meridan,
Mississippi, el 8 de setiembre de 1897, trabajó en las vías de
ferrocarril de muy joven, pero problemas de salud lo obligaron a buscar otra
forma de ganarse la vida. Pintándose la cara de negro, cantaba en Medicine
Shows, recorriendo Estados Unidos, junto al guitarrista Ernest Helton, pero
luego se les unieron Jack Pierce en guitarra, Jack Grant en mandolina y banjo
y Claude Grant también tocando el banjo, aunque luego Rodgers siguió
como solista, grabando para el sello Bristol. Debido al éxito de sus
primeras grabaciones "The Soldier's Sweetheart" y "Sleep,
Baby, Sleep," más canciones siguieron entre ellas su gran éxito
"T For Texas." Para 1928 era una superestrella y vendía
miles de discos, pero los años, las giras y las grabaciones afectaron
su salud, algo reflejado en su composición "TB Blues" (TB=
tuberculosis). Aún así, siguió grabando, dando conciertos
para los granjeros afectados por las sequías y trabajando en radio, hasta
el 24 de mayo de 1933, cuando terminó de grabar "Fifteen Years
Ago Today." Al día siguiente comenzó con hemorragias,
entró en coma y falleció el 26 de mayo de 1933. Rodgers, Fred
Rose y Hank Williams fueron los primeros electos al Country Music Hall of Fame,
en 1961.
Los Años 30: Country Post-Depresión
La Música Country al Galope
En la década de los años 30, si bien la Gran Depresión
había golpeado los bolsillos de los norteamericanos, éstos seguían
disfrutando de sus estrellas en la radio y además, el cine trajo a los
vaqueros cantantes, quienes introducían abundante Música Country
en sus semanales aventuras. Recordemos que por esa época, al no existir
la televisión, la gente podía ir semana a semana a ver a sus héroes
favoritos al cine, con el surgimiento de las primeras series o seriales. Algunos
de estos ídolos eran Gene Autry, Tex Ritter y Roy Rogers. El cine popularizó
el subestilo country llamado Western
Music, que con suaves armonías y rítmicas guitarras, imitaba
el cabalgar de los caballos, con letras que narraban la vida de estos héroes.
Roy Acuff: De Beisbolista
a Estrella Country
Otra
de las grandes figuras del género country en las décadas de los
años 30 y 40, fue Roy Acuff.
Roy Clayton Acuff nació el 15 de setiembre de 1903 en Maynardsville,
Tennessee. A punto de comenzar a jugar béisbol para los New York Yankees,
una terrible insolación lo mantuvo en cama por un buen tiempo y cortó
su carrera, pero aprendió a tocar el violín durante este tiempo.
En 1933 formó el grupo The Tennessee Crackerjacks y luego comenzó
a trabajar en su propio programa radial en Knoxville. Comenzó grabar
con ARC, la cual luego se unió con Columbia, y de allí surgieron
clásicos como "Great Speckled Bird" y "Wabash
Cannonball." Por primera vez apareció en el Grand Ole Opry
en 1938 y se volvió un artista frecuente en el show junto a su grupo
The Smoky Mountain Boys. En 1942, junto a su amigo Fred Rose, fundó la
compañía Acuff-Rose, la cual sería una de las más
importantes en el género country. Más éxitos llegaron,
como "Wreck on the Highway" (1942), "Fireball Mail"
(1942) y "Night Train to Memphis" (1943). Cuando Columbia
le solicitó cambiar su estilo, Acuff partió a los sellos MGM,
Decca y Capitol. Por años fue un exitosísimo intérprete,
mientras que su compañía crecía impresionantemente. Tal
contribución para la Música Country fue recompensada cuando en
1962, fue el primer artista aún vivo en ser incluído en el Hall
de la Fama de la Música Country.
La
década del 40:
Bluegrass, Western Swing y Honky Tonk
Bill
Monroe y el surgimiento del Bluegrass Bill Monroe es uno de esos gigantescos talentos musicales que ha dado la música norteamericana, responsable de un estilo de country denominado Bluegrass. Junto a su hermano Charlie, Bill Monroe comenzó a grabar en 1938 con su grupo, The Blue Grass Boys y se unió al elenco del Grand Ole Opry al año siguiente. Con la llegada de Lester Flatt y Earl Scruggs en 1945, el grupo se convirtió en un exponente de un híbrido de jazz estilo Dixieland y sonidos acústicos country. El resultado se identificó tanto con la música del grupo The Blue Grass Boys de Bill Monroe, que dicho estilo fue acuñado Bluegrass. Las agudas notas vocales de Bill, más su frenética mandolina, sumados a instrumentos de cuerda como la guitarra, el banjo, el bajo y el violín, se popularizaron espectacularmente y convirtieron a Monroe y al grupo en nuevas estrellas del sonido country. Muchos otros artistas siguieron el camino y estilo definido por Bill Monroe, entre ellos Jim & Jesse McReynolds, The Osborne Brothers y Ricky Skaggs. Monroe falleció en 1996 pero será siempre recordado como el Padre del Bluegrass. Por más información sobre este estilo, hacer click aquí. |
Bob
Wills y el Western Swing En la década de los 40, comienza a crearse en Texas un sonido híbrido entre la Música Country y el Jazz, más específicamente el sonido Big Band. Esta nueva fusión fue creación de un hombre llamado Bob Wills, quien junto a su grupo The Texas Playboys, inventaron un estilo de Música Country llamado Western Swing. Para leer más sobre este estilo, hacer click aquí. |
De los más
de 600 shows radiales que presentaban Música Country en vivo, el show
de la estación WSM, Grand Ole Opry era el más popular.
Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, la popularidad del género
country siguió en ascenso gracias a la Camel Caravan, un grupo de artistas
del show radial Grand Ole Opry, que recorrían las bases militares, auspiciado
todo esto por los cigarrillos Camel. A través de esta caravana fue que
la música llegó a todas partes de Estados Unidos y del mundo.
Poco a poco, sellos y empresas discográficas comenzaron a abrir sus puertas
en Nashville, convirtiéndola en la llamada "Music City, USA."
El
inmortal Hank Williams
Sin duda alguna, una de las grandes
figuras de la música norteamericana, Hank Williams ha cruzado fronteras
estilísticas y su música ha sido grabada por artistas tan disímiles
como los Carpenters, Tony Bennett o Elvis Presley. Hiram King Williams nació
en Georgia, Alabama, el 17 de setiembre de 1923. A los 6 años ya cantaba
en el coro de la iglesia y su madre le regaló una guitarra, la cual aprendió
a tocar con la ayuda de un músico ciego, Rufe Payne. De adolescente,
formó su banda llamada The Drifting Cowboys, tocando por más de
diez años en la estación radial WSFA en Montgomery. Williams firmó
contrato con Sterling Records y luego con MGM y después del éxito
de "Lovesick Blues", llegó un contrato con el Grand
Ole Opry. Fred Rose fue su productor, arreglador, música y co-compositor,
y juntos comenzaron a lanzar éxito tras éxito, con títulos
como "Wedding Bells", "Mind your Own Business", "My
Bucket's Got a Hole in it", "Long Gone Lonesome Blues",
entre muchos otros. Williams siguió teniendo más sucesos con sus
propias composiciones, "Cold, Cold Heart", "Hey, Good-lookin'",
"Honky Tonk Blues", "Half As Much", "Jambalaya",
"Your Cheatin' Heart", "Take These Chains" y muchas
más, que ya se han convertido en verdaderos clásicos que definieron
el sonido Honky Tonk. Constantemente
consumiendo drogas para combatir los dolores de su espalda, resultado de un
accidente ecuestre a los 17 años, Williams era además un alcohólico
y la letal mezcla lo llevó a fallecer de un ataque cardíaco el
1º de enero de 1953, a los 29 años.
Los
Dorados Cincuenta
Rockabilly: Country
Para Jóvenes
"Un blanco con la
energía de un negro" era lo que Sam Phillips buscaba. Phillips,
dueño de un pequeño estudio de grabación llamado Sun Records
en Memphis, Tennessee, fue él solo descubridor de una legendaria lista
de talentos, primordialmente artistas hasta ese entonces country. A mediados
de la década de los años 50 empezó a incluir elementos
del sonido Rhythm'n'Blues en su música, logrando un híbrido llamado
Rockabilly. El género
country dejó de ser consumido sólamente por mayores de 30 años,
para llegar a los adolescentes, que bailaban frenéticamente al ritmo
de esta especie de Rock and Roll. La respuesta a la necesidad de Phillips fue
Elvis Aron (con una "A") Presley.
Más información
de Rockabilly, haciendo click
aquí.
Elvis: The Hillbilly Cat
Nacido
en Tupelo, Mississippi, el 8 de enero de l935, Elvis, como muchos cantantes
sureños, comenzó entonando los himnos religiosos de la iglesia.
A los 13 años, su familia y él fueron a Memphis y comenzó
a cantar en bailes locales. Con los años, comenzó a trabajar como
camionero mientras se presentaba en distintos shows, interpretando música
country.
Al grabar el tema "My Happiness" para obsequiar a su madre
Gladys, Elvis fue descubierto por Sam Phillips y organizaron un trío
junto a Scotty Moore y Bill Black. Elvis encaró una versión "countryficada"
de un clásico de Blues, "That's All Right, Mama" y
una muy personal del clásico de Bluegrass de Bill Monroe "Blue
Moon of Kentucky". Su nuevo manager, el Coronel Tom Parker, llevó
a Elvis de circuitos country donde se estaba haciendo cada vez más famoso,
a un exitoso cntrato con el sello RCA Records, pero fue gradualmente transformando
el sonido de Elvis, para convertirlo en un suave baladista, continuando una
exitosísima carrera hasta el día de su muerte, el 16 de agosto
de 1977.
Johnny Cash
Otro descubrimiento de Sam Phillips fue John Ray Cash, nacido en Kingsland,
Arkansas, el 26 de febrero de 1932. Luego de terminar la escuela secundaria,
Johnny tuvo varios trabajos y se enlistó en la Fuerza Aérea, donde
estuvo cuatro años y aprendió a tocar la guitarra.
De regreso en Memphis, donde contrajo matrimonio con Vivian Liberto, formó
un trío con Luther Perkins y Marshall Grant, donde luego de trabajar
gratis en la estación radial KWEM, lograron una audición con Sam
Phillips. Varios éxitos surgieron de esta colaboración, con temas
compuestos por el propio Cash, como "Hey Porter", "Cry, Cry,
Cry", "Folsom Prison Blues", "I Walk The Line", entre
otros. En 1958 firmó contrato con Columbia Records, incorporó
al baterista W.S.Holland y además incluyó más músicos
tanto para sus presentaciones -a esta altura muy exitosas- como para sus grabaciones.
En diciembre de 1961, comenzó a trabajar con June Carter, y comenzó
a volcarse al consumo de píldoras para mantenerse despierto para dar
todos sus conciertos y luego pastillas para poder dormir, comenzando un ciclo
interminable. En 1966, Liberto pidió el divorcio y en marzo de 1968,
Cash contrajo matrimonio con Carter, quien después de muchos años
de trabajo, logró que Johnny superara su adicción a fines de la
década de los 60.
A pesar de su pobre
salud a lo largo de esa década, Cash nunca dejó crear música
de primer nivel, con éxitos como "I Got Stripes", "Ring
of Fire", "Understand Your Man", "Daddy Sang Bass"
entre muchos otros, grabando importantes álbumes rescatando la situación
de los presidiarios, dando conciertos en penitenciarías como San Quintín
o Folsom, así como "Blood, Sweat and Tears" en homenaje
a los trabajadores o "Bitter Tears" denunciando el destrato
a los indios norteamericanos.
En 1983, recayó en su adicción a las píldoras pero logró
recuperarse. Cash fui incluido en el Hall de la Fama de la Música Country
y del Rock and Roll. Falleció el 12 de setiembre del 2003.
Más artistas
que brillaron en el Rockabilly fueron, por
ejemplo, Marty Robbins, George Jones, Charlie Rich, Carl Perkins, Sonny Burgess,
Johnny Burnette, Dorsey Burnette, Charlie Feathers, Roy Orbison, Gene Vincent
y Eddie Cochran.
Nashville
Sound
Durante la segunda década de los años 50, el Rockabilly fue el
estilo de música country más popular y muchos artistas que antes
hacían otros estilos country, se volcaron a este nuevo sonido, pero muchos
otros, como Eddy Arnold o Jim Reeves, se dedicaron a hacer un country más
suave, que fundaría las bases del estilo llamado "Nashville
Sound".
Los años 60: la década de los productores
Buscando llevar al sonido country a las grandes ciudades y a públicos ajenos al mismo, hacia fines de la década de los años 50y principios de los 60, se "adornó" a esta música, agregando enormes orquestas con cuerdas y vientos. Las armonías vocales del sonido country fueron cambiadas por pulidos coros, en general a cargo del cuarto The Jordanaires o del grupo The Anita Kerr Singers. Los artistas dejaron de presentarse con su típico atuendo de vaquero para presentarse de traje ellos y sofisticados vestidos ellas. Se evitaba todo tipo de acento y se buscó pulir la dicción de los artistas. El toque Country estaba dado por una base rítmica de batería y bajo y un ocasional toque de guitarra steel.
Si bien muchos criticaron este estilo, sobre todo aquellos que escuchaban algo más tradicional o quienes se habían volcado al nuevo Rockabilly, el surgimiento del Sonido Nashville significó una expansión del mercado musical y un cambio en el sonido.
Por más información del Nashville Sound o Country-pop, hacer click aquí.
Liderando este estilo musical, existió un grupo de productores incluyendo a Chet Atkins, Owen Bradley y Billy Sherrill.
Chet
Atkins |
Owen
Bradley |
Billy
Sherrill |
Chet Atkins
Chester Burton Atkins, eximio guitarrista
de country y de jazz, apodado "Mr. Guitar" es considerado el creador
del Nashville Sound en el sello RCA Records, en 1957. Don Gibson, The Browns
y Jim Reeves fueron algunos de los primeros artistas que comenzaron a utilizar
este nuevo estilo musical y su popularidad ascendió espectacularmente.
Atkins fue elegido al Country Music Hall of Fame en 1973.
Owen Bradley
Encargado de Decca Records a partir de 1958, Bradley, junto a su hermano Harold,
fue quien llevó al mercado masivo a artistas country como Brenda Lee
y Patsy Cline, entre una larga lista. Con Bradley, el sonido de Patsy Cline
llegó más cerca del pop que del country, con éxitos gigantes
como "Sweet Dreams","Crazy"
y "I Fall to Pieces" y su imagen vaquera fue cambiada por
vestidos adecuados para un público citadino. Patsy falleció a
los 30 años en una accidente aéreo, el 5 de marzo de 1963. Bradley
fue incluido en el Country Music Hall of Fame en 1974.
No sólo la introducción de grandes y pulidas orquestas fue la característica del Nashville Sound, sino también el uso de los mismos músicos para todos los artistas. Algunos de estos músicos de sesión fueron los guitarristas Harold Bradley, Grady Martin, Ray Edenton, Fred Carter y Hank Garland, el violinista Tommy Jackson, Charly McCoy en armónica, los pianistas Floyd Cramer y Hargus "Pig" Robbins, el bajista Bob Moore y el baterista Buddy Harman, sumados a la orquesta The Nashville Strings. Debido al uso de los mismos músicos en todos los temas, muchos criticaron la similitud entre los estilos de los artistas, pero sin embargo, los discos se seguían vendiendo de a millones.
Billy Sherrill
A fines de la década de los 60, un tercer productor se sumó a
la producción del Sonido Nashville, Billy Sherrill. Poco humilde, Sherrill
declaró que podía convertir en estrellas a cualquiera y que lo
que importaba era la canción y no el artista, sin embargo, se aseguraba
de rodearse de talento, como eran los casos de George Jones, Tammy Wynette y
Charlie Rich.
George Jones
Dueño de varios apodos ("Rolls Royce of Country", "The
Possum"), Jones, uno de los más influyentes vocalistas norteamericanos,
nació el 12 de setiembre de 1931 en Saratoga, Texas. Claramente influido
en sus comienzos por Hank Williams, comenzó su carrera alternando entre
el sonido Honky Tonk y el Rockabilly. Luego de un paso por el sello United Artists,
Jones se conectó con el productor Pappy Dailey, para el cual dejó
éxitos como "Love Bug" o "If My Heart Had
Windows" pero luego fue decisivo su paso a Epic Records, donde conoció
a Sherrill y a Tammy Wynette. La adicción al alcohol de Jones fue tan
famosa como su relación con Wynette, con quien también tuvo éxitos
como "We're Gona Hold On","Golden Ring" y "Near
You". El período con Sherrill vió a Jones brindar clásicos
como "He Stopped Loving Her Today", "Bartender's Blues"
y "Whose Gonna Fill Their Shoes", entre muchísimos
otros.
Los invitamos a leer una entrevista exclusiva que en el 2015 George Jones concedió
a nuestra asociación, haciendo click
aqui.
Tammy Wynette
Virginia Wynette Pugh, oriunda de Tupelo, Mississippi, creció con toda
la intención de encarar una carrera musical, pero su matrimonio a los
17 años cortó su ilusión. Sin embargo, el nacimiento con
problemas espinales de su tercer hija, hizo que tuviera que recurrir a la música
para complementar su salario de cosmetóloga. Cantando en clubes nocturnos
y recorriendo sellos discográficos, llegó a Epic Records y a Billy
Sherrill, quien le produjo clásicos como "Apartmente Nº
9", "I Don't Wanna Play House", "D-I-V-O-R-C-E", "Till
I Can Make It On My Own" y "Stand By Your Man".
Charlie Rich
Habiendo sido descubierto
por Sam Phillips en la década de los 50 como artista Rockabilly,
Rich era un supremo intérprete de Rhythm & Blues y Jazz, que en la
década de los años 60, pasó a ser intérprete de
country primero en el sello RCA y luego en Epic, bajo la dirección de
Sherrill.
Nacido en Forrest City, Arkansas, el 14 de diciembre de 1932, Rich (apodado "The Silver Fox" porque su cabello se volvió platinado a los 23 años) tuvo su primer éxito con "Lonely Weekends" en el sello Sun, para luego seguir con éxitos menores en RCA. En 1972, en Epic, "I Take It On Home" y "Peace On You" le valieron éxito masivo y nominaciones al premio Grammy. Pero fueron "Behind Closed Doors" y "The Most Beautiful Girl" los temas que lo convirtieron en una estrella internacional y un claro ejemplo del ahora llamado "Countrypolitan", el mismo Nashville Sound de años antes, pero con mayores instrumentaciones. Sumado al sonido de Epic, mucho del material Nashville Sound que Rich había grabado para RCA fue re-editado y el mercado se vió prácticamente invadido y gobernado por Charlie Rich. Rich ganó el premio de Artista del Año en 1974, otorgado por la Country Music Association.
Paralelamente al
afianzamiento del Nashville Sound, se estaba gestando en la costa Oeste de Estados
Unidos, más específicamente en California, un fuerte movimiento
de Country-Rock, liderado
por artistas como Gram Parsons, Chris Hillman y los grupos The Flying Burrito
Brothers y The Byrds y Linda Ronstadt. En el sur de Estados Unidos, sin embargo,
surgió un grupo de músicos que comenzaron a sentir la influencia
del Swamp Rock, un poderoso estilo roquero originado principalmente en el estado
de Louisiana. La mezcla del country con este estilo de rock daría lugar
a otro subgénero country, el Rock Sureño o Southern
Rock.
George
Jones, Tammy Wynette y Charlie Rich |
Los
años 70:
el Countrypolitan y Country-pop y los Rebeldes
El ahora llamado Countrypolitan,
fue el estilo que comenzó a gobernar las listas de ventas y popularidad
en la década de los años 70.
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Kenny
Rogers |
John
Denver |
Anne
Murray |
Llegados de otros géneros, artistas como Kenny Rogers, Anne Murray, Olivia Newton-John y John Denver lograron gran éxito en la Música Country y hasta era muy común ver que tuvieran popularidad masiva tanto en el género country como en el pop y la línea divisoria entre ambos estilos poco a poco comenzó a disolverse.
Kenny Rogers
Kenneth Donald Rogers, nacido el 21 de agosto de 1938 en Houston, Texas, se
convirtió a partir de la década de los 70, en uno de los más
famosos artistas country del mundo. Luego de recorrer varios grupos en los 60
(Bobby Doyle Trio, New Christy Minstrels y The First Edition) firmó contrato
con United Artists para comenzar una carrera definitiva como artista country
y en 1976 tuvo su primer éxito con "Love Lifted Me",
pero fue "Lucille" en 1977 el que lo estableció tanto
en las listas country como pop, reforzado por el éxito internacional
de "The Gambler" (El Jugador), "Coward of the County",
"She Believes in Me", "You Decorated My Life","We've
Got Tonight", "Lady" y muchísimos clásicos
más.
John Denver
Producto de la generación hippie, John Henry Deutschendorf Jr., creció
siendo educado en escuelas a lo largo de Estados Unidos, ya que su padre era
piloto de la Fuerza Aérea y era enviado junto a su familia a varios lados
del país. Esto hizo que John tuviera pocos amigos y se refugiara en su
guitarra. Luego de sustituir a Chad Mitchell en el trío de ese mismo
nombre y lograr éxito como compositor cuando su tema "Leaving
On A Jet Plane" fue grabado por el trío Peter, Paul y Mary,
el sello RCA le ofreció un contrato, Entre sus clásicos están
"Take Me Home, Country Roads", "Annie's Song", "Thank
God I'm A Country Boy", "Rocky Mountain High","I'm Sorry",
entre otros. Fue en la década de los 70, el artista más exitoso
del sello RCA.
Anne Murray
Luego de abandonar su carrera como profesora de Educación Física
para dedicarse de lleno a la música, la canadiense Anne Murray llegó
a los primeros puestos country y pop con el tema "Snowbird" en
1970. Sus clásicos country-pop incluyen "Cotton Jenny",
"A Love Song", "I Just Fall in Love Again", "Shadows
in the Moonlight", "You Needed Me", "Broken-hearted Me",
"Daydream Believer", etc.
En la segunda mitad de la década de los 70, en Countrypolitan cambió nuevamente de nombre, para pasar a llamarse Country-pop y los éxitos country comenzaron a cruzar cada vez más a las listas de pop, generándose aún más el fenómeno llamado "crossover". Ronnie Milsap, Eddie Rabbitt, Tanya Tucker, Don Williams, Dolly Parton y los grupos Dr. Hook, Eagles y Poco se sumaron a los antes mencionados y comenzaron a codearse con artistas como Neil Diamond y Barry Manilow.
Los Rebeldes
(The Outlaws)
Ya desde mediados de la década de los 60, muchos artistas renegaban del
poder de los productores en su música. Merle Haggard, Johnny Cash, Johnny
Paycheck y otros lucharon contra los burócratas. Algunos, como Haggard,
Buck Owens y Wynn Stewart, abandonaron Nashville y encontraron un nuevo hogar
en Bakersfield, en California, donde moldearon su propio estilo de Honky Tonk.
llamado Bakersfield Sound.
Si bien nunca antes la Música Country había tenido el éxito
comercial como en la década de los 70, en los estudios de grabación
los artistas seguían sin la posibilidad de tocar con sus músicos
y muchas veces, elegían los temas a interpretar dentro de una selección
previamente hecho por su productor.
Artistas como Waylon Jennings -cuya música había sido muchas veces
afectada negativamente por decisiones burocráticas-, su esposa Jessi
Colter, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Jerry Jeff Walker, Tompall Glaser,
Billy Joe Shaver, David Allan Coe y muchos otros, consideraron que el control
debía estar ejercido por aquellos que creaban la música. Jennings
decidió obviar a los directivos de RCA en Nashville para ir directamente
a los jerarcas del sello en Nueva York, donde realizó sus planteamientos
creativos.
Cuando logró la luz verde para
crear los discos a su manera, el resultado fue "Wanted! The Outlaws",
donde se incluían temas de Jennings, de Nelson, de Jessi Colter y de
Tompall Glaser. El término del título del Lp, "Outlaw"
-renegado, forajido- hizo que estos artistas y su postura fueran identificados
con él. "Wanted! The Outlaws" fue el primer Lp de
música country en llegar a ser Disco de Platino, lo cual abrió
el camino para otros como Willie Nelson, quien sin las imposiciones de los productores
de Nashville, pudo comenzar a incluir en su música elementos de blues,
jazz y rock sureño y terminó mudándose a Austin, Texas,
donde su música cobró otras dimensiones.
Lo curioso de este galardonado album es que no incluía material nuevo,
sino canciones que ya habían sido grabadas antes por Jennings, Nelson,
Colter y Glaser, afortunadamente con sus propios músicos.
Kris Kristofferson
logró que el vuelco en la música fuera del productor hacia el
compositor. Sus temas comenzaron a ser grabados por artistas tan disímiles
como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Jerry Lee Lewis, Janis Joplin, Tina Turner
o Elvis Presley. Con él, el artista volvía a ser el centro del
album, logrando además, con su aspecto de hippie, que su sonido country
llegara a públicos jóvenes acostumbrados al rock. Kristofferson,
junto a Jennings y Nelson fueron los principales responsables de construir ese
puente que terminaría uniendo a los tradicionalistas "rednecks"
con los hippies rockeros. Los "renegados" eran ahora conocidos por
su música, pero al igual que los artistas de rock, por su aspecto, sus
drogas y sus posturas políticas.
Los álbumes de "concepto" eran algo común en el rock
de la época y Willie Nelson decidió encarar algo semejante con
su "Red Headed Stranger". El productor Billy Sherrill intentó
"adornarlo" como había hecho con su Nashville Sound, pero Nelson
se resistió, teniendo entonces total control de su música. El
resultado fue un album que desafía categorizaciones y que catapultó
a Nelson a nivel de ícono musical.
Con la popularidad del Country-pop
por un lado y de los Outlaws por otro, el momento del country era el mejor.
Aquellos con dinero no tardaron mucho en intentar llenar sus arcas con el deseo
popular de volcarse al country. Un cuento corto aparecido en la revista Esquire
terminó convirtiéndose en el filme "Urban
Cowboy" (1979) protagonizado por John Travolta y Debra Winger y dirigido
por James Bridges. El tercer protagonista del filme era el gigantesco honky
tonk o cantina Gilley's de Pasadena, en Texas, donde se mostró
por primera vez un toro mecánico. El juguete nuevo se volvió una
sensación y surgieron a lo largo y ancho de Estados Unidos, decenas de
clones de Gilley's y miles de discotecas que se convirtieron en especies de
gigantescas y sofisticadas tabernas del "lejano oeste". Todos querían
ser cowboys y cowgirls, aunque jamás en su vida hubieran visto una vaca
verdadera. Ser country era la moda, con grandes sombreros Stetson y apretados
jeans y Travolta imponía otra moda, al igual que lo había hecho
con las camisas coloridas y los trajes blancos de "Saturday Night Fever".
Por supuesto, para
todo este público deseoso de ser vaquero, pero poco conocedor del género,
había que producir artistas de urgencia. Todo esto originó el
llamado estilo "Urban Cowboy" y muchos artistas que eran muy buenos,
fueron beneficiados primero al lograr fama con este estilo, pero perjudicados
luego, ya que al pasar los años y desaparecido el furor del "Urban
Cowboy", muchos de esos cantantes fueron asociados a una moda de mercado:
dos claros ejemplos fueron Mickey Gilley y Johnny Lee.
Mickey
Gilley y Johnny Lee |
Pero aún habiendo
pasado el furor del "Urban Cowboy", siguió existiendo muchísimo
público deseoso del género country y el Country-pop seguía
victorioso. Dolly Parton, Kenny Rogers, Barbara Mandrell, Juice Newton, Ronnie
Milsap, Eddie Rabbitt, Crystal Gayle, Lee Greenwood, Emmylou Harris y los Oak
Ridge Boys, eran exitosísimos intérpretes que hasta tenían
sus propios shows televisivos, incursionaban en el cine, daban gigantescos cnciertos
en todo el mundo y agrandaban sus abultadas cuentas bancarias, mientras su música
iba más y más, acercándose peligrosamente al pop.
Redescubriendo
las raíces: los Neo-Tradicionalistas
Habiendo llegado el género country tan cercano al pop, hubo muchos artistas
que consideraban que era imprescindible volver a las raíces y redescubrir
aquellos estilos de antaño que tan popular habían sidos, por ejemplo,
el Rockabilly, el Bluegrass,
el Honky Tonk o el Western
Swing. Para estos artistas que buscaban reflotar estos sonidos, se acuñó
el término "Neo-Tradicionalistas", un oxímoron que muestra
una curiosa contradicción: ¿cómo algo nuevo puede ser tradicional?
Los Neo-Tradicionalistas estaban lejos de ser simples "reflotadores"
de viejos estilos: eran artistas auténticos que, basándose en
estilos tradicionales, creaban música nueva, fresca.
Antes de que se les llamara de esta manera, los primeros artistas en volcarse
a esta corriente fueron Ricky Skaggs, John Anderson y Gail Davies. El album
que se considera el puntapié para el surgimiento del Neotradicionalismo
es "Storms of Life" de Randy Travis, lanzado al mercado en 1987.
Ricky Skaggs
Skaggs, nacido el 18 de julio de 1954 cerca de Cordell, Kentucky, tocó
en su adolescencia con las leyendas del Bluegrass Lester Flatt y Earl Scruggsy
en 1977, cuando Rodney Crowell dejó la Hot Band de Emmylou Harris para
comenzar su carrera solista, llenó la vacanta tocando guitarra acústica
y mandolina. Lentamente convenció a Harris de acercarse a sonidos más
tradicionales y la introdujo en el mundo del Bluegrass: el resultado fue el
album "Roses In The Snow" (1980), donde él jugó
un papel importantísimo. Así como años antes, Emmylou había
descubierto el Country Rock de la mano de Gram Parsons, ahora Skaggs la llevaba
de la mano hacia sonidos más acústicos.
Su amor por el legendario Bill Monroe hizo que Skaggs hiciera nuevas versiones
de sus éxitos, como "Uncle Pen" y que además
de sus propias composiciones, comenzara a reflotar viejos honky tonks de las
décadas de los 40 y 50.
George Strait
Nacido en Pearsall, Texas, en 1952, Strait se ha convertido en unos de los mayores
y más exitosos exponentes del country tradicional, volcándose
desde sus comienzos a inspirarse en leyendas como George Jones, Merle Haggard,
reflotando además, el sonido Western Swing de Bob Wills. Comenzó
con su tradicionalismo a principios de los 80 y luego recibió el espaldarazo
de Skaggs y los otros Neo-tradicionalistas a partir de la segunda mitad de la
década.
Dwight Yoakam
Oriundo de Pikeville, Kentucky, Yoakam, comenzo su estilo vocal siendo una mezcla
de Lefty Frizell y Elvis Presley, para culminar en un estilo tremendamente personal.
En sus álbumes se ha encargado de presentar la mayor cantidad de subgéneros
de country posible, desde Bluegrass, Honky Tonk, Tex-Mex, Western Swing, Rockabilly,
hasta sonidos más vanguardistas como Cow-Punk o Psychobilly. Sus propias
composiciones reflejan lo más tradicional del country y se ha encargado
de reversionar clásicos del género.
Randy Travis
Junto a Skaggs, Travis, oriundo de Marshville, North Carolina, fue una de las
figuras seminales del llamado Neo-Tradicionalismo. Con una voz que rescata las
tradiciones vocales de Lefty Frizzell o George Jones, Travis fue responsable
de "Storms of Life"(1986), uno de los mejores álbumes
de la década de los 80 y exitoso comercial y artísticamente. Pronto,
llegaron los premios y los múltiples éxitos, de un artista que
es, además, un muy respetable compositor.
Marty Stuart
Comenzó de adolescente a hacer giras con el legendario artista de bluegrass
Lester Flatt y luego pasó a la banda de Johnny Cash, de quien llegó
a ser yerno (al contraer matrimonio con Cindy Cash). Ha ganado cinco Grammys
y tenido 16 nominaciones y su sonido se vuelca al Honky Tonk Bluegrass y Rockabilly.
debido a su contribución a la Música Country, fue incluido en
el Country Music Hall of Fame en el año 2020.
Ricky Van Shelton
Se especializó en revitalizar viejas baladas de los años 50 y
60 y fue muchas veces llamado elPat Boone de la Música Country. También
su fuerte fueron el Honky Tonk y el Rockabilly. Hoy se encuentra retirado del
mundo musical.
Travis Tritt
Con 400 canciones propias bajo el brazo, a fines de los 80s apareció
Travis Tritt, gran fanático de Charlie Daniels y Waylon Jennings y si
bien su fuerte fueron las baladas y los temas Honky tonk, en sus cds y shows
abundaba el Rock Sureño. En los años 90 encaró la gira
llamada No Hats Tour junto a Marty Stuart.
Carlene Carter
Haciendo claras referencias en su música a sus raíces, la hija
de June Carter y Carl Smith e hijastra de Johnny Cash brindó estupendo
álbumes con mucho Rockabilly y baladas, gran parte del material compuesto
por ella, además de reflotar viejas canciones de la legendaria Familia
Carter.
Reba
McEntire Nacida en Chockie, Oklahoma, el 28 de marzo de 1954, fue descubierta por el cantante Red Stegall en 1974, quien, impresionado por su voz, la llevó a grabar varios temas que le significaron un contrato con Mercury Records. Luego de una seguidilla de éxitos, cambió al MCA, desde donde dominó el terreno country femenino durante dos décadas (80 y 90), incursionando además en cine y televisión. Si bien su música ha pasado a ser un poco más Country-pop en los últimos años y su éxito en la televisión la ha obligado a reducir su número de conciertos al año, Reba sigue siendo una de las vocalistas más populares de los Estados Unidos. |
Otros artistas dentro
de esta corriente Neo-Tradicionalista fueron también Keith Whitley, David
Ball, Patty Loveless, Kathy Mattea, Suzy Bogguss y kd lang.
Los años 90: la explosión del New Country
En los años 90, siguieron surgiendo nuevo-tradicionalistas, pero el espectro
country se abrió para recibir a otros intérpretes, que quizás
décadas antes, nunca hubieran sido considerados country, como Mary Chapin
Carpenter o Lyle Lovett. Esta apertura fue también una necesidad de mercado:
esos oyentes que buscaron nuevos sonidos, querían obviamente consumir
esos sonidos.
Los sellos discográficos salieron con sus "caza talentos" a
recorrer tabernas, clubes, discotecas, coffee-houses con el propósito
de reclutar a todo aquel artista que ofreciera calidad y que anduviera sin contrato.
Esto significó la aparición de muchísimos talentos de muy
diversa estirpe musical: en esta época -recordemos, 1989/1990- aparecen
artistas como Clint Black, Alan Jackson, Doug Stone, Mark Chesnutt, Patty Loveless,
Sammy Kershaw, Hal Ketchum, Lorrie Morgan, The Kentucky Headhunters, Pam Tillis,
Travis Tritt, Marty Stuart, Suzy Boggus, Nancy Griffith, Vince Gill, Carlene
Carter, Holly Dunn y, sin duda alguna, el más exitoso de todos, Garth
Brooks.
Bien vale aclarar que muchos de los nombrados ya habían colocado canciones
en las listas country en años anteriores, pero fue en estos dos años
en que su lanzamiento los llevó al estrellato.
Con el auge del sonido
auténtico del Neo-Tradicionalismo, todos querían volcarse nuevamente
a la Música Country. Pero esto no era como había sido la moda
"Urban Cowboy".
Paralelamente al aumento enorme de la popularidad del country, se dió
el crecimiento de otros estilos musicales como el Rap y el Hip-Hop, así
como la aparición de la música Techno. Estos estilos, así
como atrajeron a muchos oyentes, también espantaron a millones de otros
que, inclinados a consumir música pop, veían inundadas sus radios
por sonidos a los que no estaban acostumbrados. Estos oyentes de veintipico
a cuarenta años, que en su adolescencia -década de los 70- habían
escuchado el pop de James Taylor, Carly Simon, Eagles o Bee Gees, no sentian
en la oferta de Metallica o Marilyn Manson, los sonidos que querían escuchar.
La propuesta más cercana era la música Country-pop, en ese entonces
cabeza a cabeza con el Neo-Tradicionalismo.
El fenómeno Garth Brooks
Nacido en Tulsa, Oklahoma, el 7 de febrero de 1962, creció rodeado de música country: su madre era Colleen Carroll Brooks, una cantante para el sello Capitol en la década de los años 50. Durante su adolescencia, luego de un primer viaje a Nashville de donde regresó frustrado, formó una banda local llamada Santa Fe, interpretando una mezcla de oldies pop y country, demostrando su amor por James Taylor, Dan Fogelberg, los grupos Boston y Kansas y el tejano George Strait. En 1987, nuevamente en Nashville, comenzó a componer para el sello Capitol, lo que lo llevó a eventualmente grabar sus primeros temas bajo la producción de Allen Reynolds. De allí en más, todos sus canciones se convirtieron en éxitos gigantescos y su personalidad dinámina y dicharachera hicieron que todos gustaran de Brooks. En 1991, su cd "Ropin' The Wind" debutó en el Nº 1 de las listas pop, algo que jamás había logrado un artista country, mientras que su concierto el 7 de agosto de 1997 en Central Park convocó a 800.000 personas. Su fuerte personalidad hizo además que pudiera controlar todo con respecto a su carrera hasta el momento de retirarse del mundo de la música. Si algún día regresa, o causará conmoción y volverá a vender millones, o habrá pasado su cuarto de hora y no llegará a lograr lo que logró en los años 90.
Cuestión de imagen
No
debemos dejar de lados los medios, que así como la radio fue fundamental
en las décadas de los años 20, 30 y 40, se volvieron esenciales
en los 90 . El surgimiento de TNN (The Nashville Network) y CMT (Country Music
Television) en 1983, significó que la Música Country estuviera
constantemente presente en la televisión. Centenares de radios que habían
programado pop en épocas pasadas, se cambiaron al formato country, sumando
casi dos mil quinientas en todo Estados Unidos, programando esta música
24 horas al día, sin contar las miles que incluían shows country
en su programación. Decenas de publicaciones relacionadas al género
salieron al mercado, desde las "serias" con análisis y artículos
musicales, hasta las "light", contando las vicisitudes amorosas y
mostrando las residencias de los famosos.
Pero el aspecto "visual" y "light" del espectáculo country, hizo que aquellos artistas que físicamente no estaban en sus mejores formas, no fueran considerados para el público masivo y fue así que muchos y muy buenos artistas fueron dejados de lado, sólo por su aspecto. Luego de que los sellos se hubieran asegurado el mercado de los 25 a 50 años, se lanzaron a conquistar a los adolescentes, y así surgieron artistas de gran sex-appeal que atrajeron a ese grupo de edad. Entre ellos se encontraban LeAnn Rimes, Bryan White, Faith Hill y Shania Twain, por ejemplo. Esto trajo aparejado que aquellos veteranos que por un lado eran tan venerados, por otro vieran sus contratos sin renovar y debieran conformarse con que las radios pasaran sus temas como "oldies."
Lo que pasó a ser un negocio, significó para muchos artistas que si un sello les producía un album, este debía vender un mínimo de 50.000 copias o jamás llegarían a ver un segundo cd.
Faith
Hill |
LeAnn
Rimes |
Shania
Twain |
Taylor
Swift |
Poco a poco, a principio
de los 90, el Neo-Tradicionalismo comenzó a perder la fuerza y a mediados
de esa década, el llamado New Country, con toda una gran serie de nuevas
estrellas, comenzó a avanzar a pasos agigantados. El New Country incluía
más elementos de rock que pop, pero al igual que el Nashville Sound o
el Country-pop en su momento, de alguna manera también significaba cierta
pérdida de las raíces más puras del country. Una de las
artistas que más reflejó este cambio fue Taylor Swift, quien finalmente,
terminó dedicándose de lleno a la música pop. Muchos acusaron
al New Country de empezar a sonar como la música pop de los 80. Muchos
artistas se sintieron incómodos con todo este cambio, principalmente
radial. Cantantes que desde la década de los 80 buscaban hacer una música
más creativa, como Steve Earle, Emmylou Harris Rosanne Cash o Lyle Lovett,
comenzaron a apartarse de este New Country fabricado en Nashville.
New
Country vs. Y'Allternative
Un nuevo movimiento comenzó a gestarse, inspirado en los Outlaws/Rebeldes
de los años 70 y en el Neo-Tradicionalismo de mediados de los 80 y
comenzó a recibir otro nombre: Alternative Country. Con este rótulo,
también llamado Alt.Country, Y'Allternative o Americana Music, se pasó
a definir a todos aquellos artistas que no eran pop ni tampoco eran rock,
pero que incluían en su haber amplias dosis de música country,
folk, blues y rock, sumada a esta mezcla, influencias de subgéneros
country como Rockabilly, Cajun, etc.
Paralelamente al surgimiento del movimiento alternativo, el New Country seguía
produciendo más música con claras influencias rock y pop, con
canciones rápidamente olvidables donde todo era simple, sencillo y
hermoso y con mucho gancho musical. Llegó el momento en que Música
Country se volvió sinónimo de New Country, pero muchos artistas
que se consideraban así mismos artistas country, no se identificaban
con el rótulo New Country y no querían ser llamados así.
Muchos de ellos comenzaron a refugiarse en el sector alternativo: entre los
que se contaban a los otrora Neo-tradicionalistas Dwight Yoakam, Marty Stuart
y a Butch Hancock, Gillian Welch, Alison Krauss, Junior Brown, el grupo BR5-49,
Kim Lenz, Roger Wallace, Patty Booker, Marti Bröm y una larguísima
lista de talentos. Su música no buscaba el "gancho" fácil,
sino que además de un sonido country más auténtico, las
letras cobraban un aspecto primordial y retomaban los temas típicos
del country: la soledad, el amor y sus desengaños y la injusticia social.
Ameripolitan
El cantautor Dale Watson y el promotor Phil Doran decidieron crear este término
para diferenciar a los artistas auténticos de la Música Country
de lo que se estaba promocionando como tal. Para ellos, era engañoso
llamar Country a artistas como Kane Brown, Florida Georgia Line u otros que
hacian un pop simple de Nashville. Para Watson y Doran el estilo Americana
incluye más rock y folk y haberlo llamado Country Clásico implicaba
algo retro, en lugar de algo nuevo y original. El término Tradicional
tampoco les venía bien porque parecía restringir el estilo a
edad de los oyentes. Para Watson, el nuevo término Ameripolitan honra
las raíces de la Música Country integrando al Rockabilly, el
Cajun, el Western Swing y el Outlaw.
Los esfuerzos por el surgimiento de este rótulo surgieron luego de
que el cantante Blake Shelton dijera en un episodio del show GAC (Great American
Country):
"Si yo soy el Vocalista del Año, eso significa que soy una de
esas personas que deciden si avanza el estilo. La Música Country tiene
que evolucionar para sobrevivir. Nadie quiere oir la música de los
abuelos. Y no me importa cuantos de estos idiotas en Nashville dicen 'Dios
mío, eso no es country!' Bueno, eso es porque no compran más
discos, imbéciles! Los chicos compran y no quieren la música
que ustedes compraban".
Luego Shelton se disculpó por sus palabras, tuvo una conversación
con el legendario Ray Price, quien dió por concluido el problema y
además, se presentó en un show de los Grammys cantando con Merle
Haggard, Willie Nelson y Kris Kristofferson. En el año 2018, Shelton
invitó para sus giras a los legendarios John Anderson, a los Bellamy
Brothers y a Trace Adkins. De alguna manera, muchos dijeron que esto fue para
reparar sus malogradas palabras. La gira fue un gigantesco éxito.
Watson no creyó que las disculpan fueran sinceras y que Shelton había
revelado sus verdaderos sentimientos hacia la Música Country, lo que
lo impulsó a crear el término ameripolitan para honrar y preservar
las raíces del estilo: Los premios Ameripolitan se entregan todos los
años.
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Allison
Moorer |
BR5-49 |
Danni
Leigh |
Dale
Watson |
En 1995, la publicación de la revista No Depression significó
un espaldarazo importantísimo para el movimiento alternativo. No Depression
tomaba su título de una vieja canción de la Familia Carter y
un album del grupo Uncle Tupelo. Con el respaldo de esta publicación,
comenzaron a surgir miríadas de sellos independientes, que permitían
a los artistas la libertad para crear la música que querían
y cómo la querían. Por su parte, No Depression incluía
en sus páginas desde artículos sobre Bluegrass y entrevistas
a artistas como Ricky Skaggas, hasta los sonidos cantineros texanos de Dale
Watson, con entrevistas a artistas seminales en la Música Country,
como George Jones o Hank Thompson.
En 1995, el reporte Gavin instituyó las listas de música Americana
Music, que incluía a artistas que no estaban en el formato New Country.
También comenzaron a surgir centenares de estaciones radiales que enfocaban
su atención hacia este tipo de música y que permitieron que
artistas veteranos que habían sido dejados de lado por las estaciones
radiales de New Country, encontraran un nuevo reducto donde hacer escuchar
su nueva música. A los 66 años, en 1997, Johnny Cash con su
album "Unchained" del sello American Recordings, ganó
un Grammy por Mejor Album Country, sin que las radios New Country se hubieran
preocupado de difundirlo. Esto dio origen a la famosa foto que Cash y American
Recordings publicaran en la revista Billboard, junto a un enorme THANK YOU
(Gracias), burlándose de la industria disquera de Nashville. La foto
había sido tomada originalmente en un concierto en la prisión
de San Quintín en 1969.
Bro
Country
Este es un término que surgió para definir al country liviano,
sin mayor contenido, surgido en los años 2000 por el cual
desfilan canciones cuya temática gira en torno a amigotes que se reúnen
en fiestitas los viernes o sábado de noche con la intención
de emborracharse, ver a las chicas de short -a las que nunca llaman por su
nombre, sino que se refieren a ellas como "baby"- y andar a toda
velocidad en su camioneta. Son canciones que suenan más cercanas al
pop de los años 70, incluso con elementos de hip hop, canciones de
letras muy simples, para escuchar y olvidar a los pocos minutos, la mayoría
de las cuales nunca llegarán a ser consideradas clásicos de
la Música Country. O por lo menos, eso esperamos.
El término "BroCountry"
fue usado por primera vez por la periodista Jody Rosen en la revista New York,
en su artículo del 11 de agosto del 2013. Aqui encontramos a gente
como Jason Aldean, el dúo Florida Georgia Line, Jake Owen y Blake Shelton
pero, por supuesto, no hay cantantes femeninas en este terreno.
El neologismo originó una dura reacción por parte de muchos artistas como Alan Jackson, Travis Tritt, Brad Paisley y Gary Allan, entre otros, diciendo que estas canciones mostraban una pobre pintura de la Música Country. La división fue acentuándose tanto que se llegó a hablar de una "Guerra Civil" entre los defensores y los detractores del estilo. Uno de los pocos periodistas que habló favorablemente sobre el BroCountry fue el crítico David Horse, de Los Angeles Times, quien comparó esta tendencia con las canciones surfistas de los Beach Boys o, más cercano en el tiempo, las de Bon Jovi o Sammy Hagar: "Para un joven, la atracción de libertad sin preocupaciones es muy fuerte." Además de lo repetitivo de la temática, muchos denunciaron cómo se presentaba a la mujer en estas canciones: Kenny Chesney dijo que cuando se menciona a una chica, siempre está con shorts recortaditos y tomando alcohol en alguna fiestita. Por su lado, Brad Paisley planteó que algunas líneas de las canciones son tan pobres que los compositores tendrían que jurar que no las usarían nunca más.
Hoy en día, el Bro Country sigue vivito y coleando y creando más artistas que nunca.No usan sombrero de cowboy, sino gorritas hacia el costado y sus videos parecen más de Enrique Iglesias que Alan Jackson. Paralelamente, el Country Alternativo se ha convertido en un importantísimo reducto para aquellos que buscan algo más con su música. La conclusión es que hay de todo, para todos los gustos. Shania Twain y Taylor Swift -la cual terminó abandonando el estilo country- han tenido un éxito descomunal, no sólo en el terrerno country sino también en el pop, como lo supo tener, por ejemplo, Kenny Rogers en las décadas de los 70 y 80. Pero también los alternativos cuentan con gigantescos mercados y además, un gran público en el exterior, sobre todo en Europa, donde muchas veces son más apreciados que en su propia tierra natal. Y todos venden discos masivamente, llegando con gran rapidez a los preciados Discos de Oro. Las redes sociales se han convertido en otro mecanismo de difusión de artistas que cultivan el verdadero estilo country, cuando las grandes radios prefieren ignorarlos.
La historia pendular seguramente seguirá. Se ha dicho que el deseo de volver a lo tradicional llega cada 25 años en el mercado comprador, así que auguramos un mayor crecimiento del Country Alternativo, Tradicional, Clásico, Ameripolitan o como se le vaya a llamar y un declive del New Country, pero seguramente en un tiempo, esto se revertirá, quizás con nuevos rótulos que, al fin y al cabo, seguirán identificando la rivalidad entre lo más pop y lo más tradicional.
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Bibliografía:
The Country Music Book, por Michael Mason, Robert K. Oerrman, Rich
Kienzle, John Lomax III, Bob Millard, publicado por Charles Scribner's Sons,
1985.
The Harmony Illustrated Encyclopedia of Country Music, por Alan Cackett y Douglas B. Green, publicado por Salamander Books, 1986, 1994.
Modern Twang: An Alternative Country Music Guide & Directory, por David Goodman, publicado por Dowling Press Inc., 1999.
Joel Whitburn's Top Country Singles, publicado por Record Research, 1998.
The History of Country & Western Music, por Tony Byworth, publicado por Bison Books, 1984.
http://www.roughstock.com/history/
Raúl J. Tejeiro